有人说，国画是不讲笔墨用色，只讲究线条意境的，所以国画中的人物形象大多看着“不像活人”，可事实真的是如此吗？翻看历史典籍，我们很容易发现中国早期的绘画艺术其实是以追求写实为主的，现存最早的绢画是由东晋画家顾恺之所做的《女史箴图》，以教化当时的女性为题材，是典型的人物画。
女史箴图到了唐朝时期，绘画的题材依旧是以叙事或写人为主，例如张萱所做的《虢国夫人游春图》，阎立本的《步辇图》或者周昉的《簪花仕女图》等等。人物形象都很丰满写实。
虢国夫人游春图步辇图簪花仕女图然而盛唐时，诗人王维的画作却打破了这一传统，以“破墨”法开创了新画风，山水成了他主要的绘画题材，不过他的画，此时大多是抱着“自娱自乐”的心态，也并没有正式命名为“文人画”。
传王维辋川图（原作已遗失）“文人画”的真正兴起离不开我们熟知的大文豪苏轼，彼时的苏轼满腔热血却报国无门，不停地被贬，离自己的政治抱负越来越远，苏轼索性拿起了画笔，这一画就彻底的把“文人画”推向了高潮。
北宋年间，主流画派“院体画”要求作画一定要像，要和真的一样。然而看看苏轼，他笔下的画就没一张像的，画竹子，但是他笔下的竹子从来都没好好长过，不是在石头下面长出来，就是形状很奇怪，要么就直接是红色的，他的这一举措，直接定了个新标准——士人画，也就是我们说的文人画。
苏轼潇湘竹石图文人画实际上没有特定的要求，没有规定什么东西必须画成什么样，更多的则是表达作画之人的心境，但实际上文人画要求画家的文学素养要很高，要有自己的想法，要精通书法篆刻，在没有过多色彩的画面上，要求画家对墨色的浓淡把握以及笔法走势都有很高的要求，所以基本上，一位优秀的文人画家，大多先是一位文学素养极高的文人，而后才是一位画家。
苏轼笔下的奇怪而又不失美感的。就像他的人一样，一直顽强生长，而一直高洁坚韧。他这样的画法，直接引领了后代一大批画家学习效仿，堪称是文人画的里程碑。
苏轼木石图而真正将文人画变为一门画派，并且演变为画坛主流的，则是元朝书画家赵孟。如果说唐宋绘画的意趣在于以文学化造境，那么，赵孟在其间起到了桥梁作用。
赵孟红衣西域僧（网络图片）他提出了“作画有古意”的口号，将北宋时期艳丽细致的画风转向质朴自然，提出的“书画本来同”的口号，使绘画的文人气质更为浓烈。赵孟通过倡导“古意”确立了元代绘画的审美标准，真正的将文人画确立成一门画派，影响了后世山水画风的发展。
赵孟神骏图（图片源于网络）还有一位典型的文人画家，就是八大山人。
明朝的皇室遗民，眼见自己家的江山遗嘱，既是心死又为了活命，八大山人选择了出家。眼见大势所趋，八大山人心中的愤懑也只能画在纸上，所以他的画作中所有的动物都长着一双“人眼睛”，并且坚定不移的翻着白眼，就像这样。
不过不论是苏轼笔下的竹、还是赵孟，还是八大山人画中所有“翻白眼”的动物。这些画都不过分追求形似与画工，更多的是想表达画外蕴含的“文人士气”，例如高洁、坚贞、顽强等等的君子品质。而“文人画”的流传，想必也是作画之人与观画者之间最好的情感共鸣了吧。
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