赵文琪谈新庭院系列作品创作私享艺术

赵文琪，哈尔滨师范大学硕士，结业于北京杏坛美术馆第一期书法高研班，书法第一网签约艺术家。

《新庭院》系列作品的灵感来源

一、作者与城市仿古庭院所产生的情感共鸣

在中国的新庭院里面不仅仅包含着亭台、水榭、假山、半栏桥、荷花池塘、活水源、美人靠等各种中国古典园林建筑元素，也是现代高科技技术与现当代最新潮尖端设计师集中体现的私家园林。雅致中国，是一种优雅与从容的精神面貌，是一个专属于中国的精神和文化集中体现，是一种中国人承载了千百年的境界与智慧。随着现代文明社会的高速度发展，水泥建筑比比皆是，高楼大厦林立，城市自然环境的空间越来越狭小。为此，现当代以浓缩庭院设计的表达形式表现自然环境，正受到青睐，突出简约、明快的风格，所提倡的更多是注重“人性化”的设计，注重尺度。以一个“宜人、亲人”的形象形成了鲜明的时代感，营造出了一个更为舒适的人居环境。雅致中国之景象，在中式庭院里体现得淋漓尽致。如果我拥有一个院子，那它最美好的样子一定是中式的庭院了。在院子里你可以充分的感受到：“春有百花秋有月，夏有凉风冬有雪”的美妙，可以放下高高在上装出来的姿态，笑看风轻云淡，闲听花静绽放鸟喧哗。园林是一个供人生活使用的地方，不是标本，也不是符号，它是一个能够实现让艺术回归生活的地方。

中式庭院强调人与自然相融合、天人合一的道家生态理念，布局精妙，移步异景，别有洞天。在一个不失传统韵味的气质空间之中，力求打造营造出一个最适宜中国人居住使用的生活方式来。闹中取静，乱中得安。同样的一个地方在不同的季节会拥有不同的美感，而这种感受和心境绝对不是园子里的匆匆过客能够体会的。就简单地拿花来说，园子里的各种花次第开放，首先是腊梅花、迎春花，之后有紫藤花、桃花、金银花，而八月份荷花艳满水池，十月份则是石榴熟透的天下，夜里的月亮特别圆，朋友们喝着乌龙茶、太雕酒，吃着老制的豆腐干子，先欣赏昆曲，再坐谈演员们的唱词。当演员们在表演时，桂花飘香，落到茶上、酒里、身上，每人都沾满了桂花香气。借助这园林景致，人们将古时文人集会交流创作的情形搬到了现代，搬到园林与私家庭院。

画水墨，是纸上的灵泉；而建造园林，是地上的灵泉。它跟一件作品是一样的，只是一个意识形态上的转变。试图去描绘与建造这样一座富有中国特色的园林景观新庭院，是一件非常自豪的事，而笔者的整个《新庭院》作品系列始终是作为一个大艺术品来创建，富有山水花木的营造在整个系列作品的里面。

古诗词对创作《新庭院》系列作品的启示

具有中式传统的中国庭院建筑艺术，是匠意之心与天然胜景的完美结合。无论是欧阳修的“庭院深深深几许？杨柳堆烟，帘幕无重数”，还是白居易的“动摇风景丽，盖覆庭院深”，抑或是元稹的“洞房闲窈窕，庭院独葱茏”等。古诗词中蕴含着的耐人寻味的深远意境，无不描摹了一种人们内心对于美好的精神诉求，以及人们置身于庭院之中生活的真实大场景。当人们住在精心布置的私家庭院里，可能未必会有“弹琴长啸”的清幽绝俗，却拥有着与“明月相照”的浪漫相拥相会。而置身于这样的庭院，侵染与感染你的，一定是她的中国画大写意的魅力。中国是一个写诗词的国度，与此同时中国也是一个富含着深厚民族绘画传统的大国，诗情画意相结合历史久远，其代表人物是古代著名诗人王维。诗和画在中华民族传统的文化里,无疑是一对最为亲密的姊妹艺术。那诗意的清净无疑是现代人的奢想，钱钟书在《中国诗与中国画》里甚至认为“它们不但是姊妹艺术，而且还是孪生姊妹。”这个比喻能够充分而恰当的说明诗词与绘画之间的关系。诗是画的补充，是画家为让人们明白画的构思作画意图而作的文字解释；而画是诗在某种特定环境之下，对于特定的情感进行特定而简单的描绘；诗与画之间是相通的,但并不意味着他们之间就是等同的。画既然可以因为富有诗情而更具艺术魅力，则诗也可以因为有画意而引人入胜。诗与画之间两者是不可相互替代的一种语言和视觉的艺术。诗与画的具体内容之间是不能够互相进行转化的，所以不是所有的画都能归结为几句诗词就够了，也意味着不是所有的诗都能用画的方式来进行表达。从这种角度而言，我们经常能够看到诸如此类的说法比如说诗源于画、诗画一律或者是诗意画之类的术语或者概念，屡见不鲜。在视觉语言艺术之中，真实的本身是并没有任何意义的。除非他确实就是由我们的领悟构思出来的真实场景。

换而言之，当真实正在进行中的那一瞬间，即是出现于画家与他的描绘对象之间进行互相作用与交流的那一瞬间。或者更为重要的是，当画家的心理意象逐步具体化和构成的那一瞬间。这样就可以随心所欲的去画，自由自在的对待大自然或者古代的大师们。换而言之，诗的创作或者画家们的创造过程以及他们的表现理论都是一致的。因为无论是绘画还是诗歌语言，都可以从创造形式还是创造生命的力量之中，从他们的精神自由之中感到审美方式的自得其乐状态。来自希腊的著名诗人伏尔泰有一句很漂亮的对比言论,说画是一种无声诗,而诗是一种有声画。虽然绘画与诗歌在艺术效果上都有着相近似性的存在，可是无论从摹仿的方式或者从摹仿的对象上面来看，都有着很大的区别。然而，作为近代艺术理论的艺术批评评论家们却普遍认为这种区别似乎都是不存在的，那些批评家们时而让绘画占有诗歌的全部广阔领域，时而又能够把诗歌放进绘画的窄狹范围里去。人们一方面想把绘画转换成一种无声的诗歌，却又不考虑绘画在多大的程度上能表现一般性的概念，而又不至于离开绘画任务的本身，变成了一种隨意任性的写画的涂鸦方法。人们立足于把诗歌能够变为一种有声绘画，却对于诗歌真正能够画一些什么东西以及应该描绘一些什么事物，缺乏一个真正的认知。我国的艺术美学借助于诗歌的美学，主要表现是在于表达诗歌的意境与诗歌的境界。然而笔者的创作灵感，便主要是能够从这诗歌的意境中获得。

第二章《新庭院》系列作品的创作理念

以亲切、平实的构图基调，促成观赏者与图景的融合

笔者所创作的《新庭院》系列作品的创作理念，首先是以亲切、平实的构图基调，促成观赏者与图景的融合。谢赫“六法”中的经营位置就是讲构图。当画定下了题材主题，能够通过画面传达给观众，并且能够让观众接受了作者的美感与想法，从画面到构思模式，遇到的第一个大问题就是构图。画家李日华说：大都画法以布置意象为第一。而明代的谢肇淛说，市故事便立意结构。由此可见，当人们取得好的题材之时，还算不上万事大吉，当研究好了主体的部分安放安排在哪儿，画面次要的部分如何才能搭配适宜得当，以至于在气势上、空白处、题词、色彩、钤印等细微末节都要反复的推敲，宁愿没画到，不可没想到，这样一种布置推敲画面的过程就叫做经营位置。笔者的《新庭院》系列作品的创作，尺寸大小均为六尺整张（cm×92cm）的大画，尺幅统一比较大，而这样大小的尺幅对于观赏画作者的高度以及角度而言，是适度且适宜的恰到好处。能够容易的使观赏者进入一个身临其境的欣赏氛围。《新庭院》系列作品的创作，构图均衡平静、平实安然，不求新求怪，力争以一种亲切而温柔的深入人心灵的笔触，把所有的观赏者通通身临其境地带入进一个由笔者创造与描绘出来的中国古典园林庭院与现当代时尚园林景观设计相互结合的新庭院的意境当中去，朴素直白，不矫情勉饰。尽最大努力去促成观赏者与图景之间的融合贯通。

二、创造一个宽容、平和、恬静的母性环境，消除观赏者心理距离

其次笔者是女性，虽然在《新庭院》系列作品的创作之中，不时的通过笔者刚劲有力的大型长线条透露出一种片刻男性的雄健与阳刚之气，但是总体而言，用笔、泼墨、破墨、线质的把握、线条的应用都比较苍劲内敛、大气淋漓、酣畅痛快而不失沉着。可是无论笔者如何霸气外露的表达自己强大的内心情感，《新庭院》系列作品的创作的笔者终究还是一名女流之辈。笔者在《新庭院》系列作品的创作过程之中，既直抒胸臆出自身阳刚坚挺的一面，又平静而耐心的充分运用了上天赋予女性自身的柔和的一面，细致入微的拿捏整体氛围，深情描绘自己喜爱的一廊一阁，一景一致，一树一石，一山一楼，终究结合究其所学与多年绘画功力、笔墨修养和内在的多年读书书卷气的涵养，创造出了一个宽容、平和、恬静的母性环境，并且以此消除了《新庭院》系列作品与观赏者之间的心理距离。

第三章《新庭院》系列作品的创作技巧

一、《新庭院》系列中“线”的应用

线条，作为中国画艺术造型的主要媒介，它就如同建筑物内部的框架，支撑了整个大厦的构成。所以一幅中国画作品之中线条质量的好坏，直接关系着一件创作给人带来的审美感受。一如笔者在《新庭院》系列作品的创作过程之中，充分的运用了垂直、水平、斜线这三种直线条，藉由它们所构成的韵律线条体现了有力、明确、直接性的性格，具有男性性格的情感表达。垂直的排线富有崇高的心理感受，而水平排线则给人带来安静平和的印象，它来自《新庭院》系列作品中高峰、尖塔、大树等等熟悉的具体形象场景。垂直排线有寒冷凄凉的感觉，它来自《新庭院》系列作品中雨水、溪流。与此同时也有活力向上伸展的感觉，它来自《新庭院》系列作品中的树林、茂草。而画面中的斜线具有多种多样的角度并富有动态感。斜曲线则同时具有活泼和不稳定的双重性格。在笔者的《新庭院》系列作品的创作中，放射线比曲线更加具有爆发力。而曲线和自由线的特点是极富有想象力，柔和，与有弹性，曲线条在画面上能够给人以一种优雅自然和活跃的感觉，表现出了女性独有的温柔和恬静的性情。从对线条的感受上，我们可以由此得出线条是抽象思维与形象思维相结合的产物的重要结论。

二、《新庭院》系列中墨色层次的处理

宿墨，它独指砚中的隔宿之墨，当宿墨在砚中开始脱胶的时候，墨浓黑而愈粘，含水旁渖，笔痕依稀尚存，自有一种烟雨氤氲的气象。山水画家使用宿墨来起到点醒画面精神之用。现代的山水画家黄宾虹先生把用墨法总结成浓、淡、破、渍、泼、焦、宿七大类。黄老先生在晚年善于使用宿墨，他在画的最浓黑的地方，往上再染上一层，或者在画浓黑的地方继续还点一层更加浓的宿墨，这种方式又叫做亮墨。

本来在传统的绘画和书法的创作中，对墨的使用与选择都是不同的。油烟墨是用来绘画的，油烟墨的特点是在墨的浓烈位置发出亮光，就好像生漆发亮的效果。然而全烟没有光，沉凝深幽，是书法家们的最佳的选择，在当代则被艺术家们应用的范围更为广泛。在《新庭院》系列作品的创作之中，笔者就将宿墨应用到最后一道，起了画龙点睛的效果。如果宿墨使用得当得法，欣赏画的人在仔细品味之时，能够清晰的体会到微妙地方的层次感十分的清晰明了，使得画面效果的表达特殊而且丰富。非宿墨与宿墨之间在肌理与色调中的细微差异，在于宿墨的墨颗粒偏大、色相比较冷、有附着力，然而非宿墨的质地细腻并且展现出一种暖味的色调。它们两者之间的区别和全烟墨、油烟墨之间去分雷同。总体而言，全烟墨没有光泽，深幽温和，而油烟墨是有光泽的，并且墨色清透、效果分明。把这二类相互替换运用，可以使用出有细微变化之分的肌理与冷暖色调来。在《新庭院》系列作品里面的关于墨色层次的创作与表达的过程中，宿墨能够在墨的韵致的表现上效果更为丰富，可以写意出一个活动的韵致，产生画面中的古旧气氛围，而且可以增强线条内部的质感，实现水墨分离理想状态，而这种微妙的感觉与效果更为符合中国人含蓄的审美品位特征。可是在宿墨里时常会有渣滓渗出来，如果一不小心很容易使得笔墨看上去显得污浊枯硬。于是在笔者的《新庭院》系列作品的创作过程中，如果决定运用宿墨，需要很高的笔墨功夫。

从事艺术的创作职业，艺术天赋是必不可少的一个条件。最终获取多大的成就，都因为在艺术家的艺术风格艺术品质里面具有非常典型的个人个性化艺术语言。而宿墨的自身就是一种美学意义组成的部分。黑格尔在他《美学》（第一卷）里说：“美的要素可分为两种，一种是内在的，即内容，另一种是外在的，即内容借以现出意蕴和特性的东西”。从心理学的思考来进行比较分析，艺术家的所有感情状态都会随着笔墨蕴含在不一样的绘画里面来。而欣赏画的人，就能透过摆在他眼前的作品体会画家作画时的情绪。

对于中国画而言，画家不仅仅只去表达外在的天然实际的形态，还是去表达一种精神意境境界，更是去体现画家在作画时的心境。用宿墨创作的中国画里，宿墨的外在形式给了赏画的人创造了一个特别的感官视觉，接下来再去引领赏画的人探究画面里蕴藏的深层次内容与意义，产生一种视觉效果的综合体会。就在此刻，宿墨升级为中国画里的美学的一分子，淡宿墨淡远苍茫的效果，浓宿墨的黝黑厚重的质感。让人们深刻地体会到宿墨既是能够表达万物，又可以体现笔者强烈地情感诉求，把它的内涵藉由层次丰富的墨色变化点滴呈现到观众的面前。它越过了物像的自己，令得自然主体物的感性生命体能够达到一种全无挂碍的化境、物我两忘之地。

《新庭院》系列中治愈系色彩的表达

色，我们把它划分为用色和颜色。中国的古代写意画里，以使用水墨为上，应用水墨为主，使用重色的画并不多见。然而到了近现代，中国画里的写意画使用颜色变得越来越多了起来。我们的中国画颜料在以前是直接从植物与矿物质之中提炼出来，比如石黄、朱磦、朱砂、石青、赭石、石绿等等颜料都是加以矿砂的加工而制作完成，藤黄、花青、胭脂等等类型的颜料，则采用了植物的根茎压榨而成的汁为主要原料。在现当代中国画颜料的使用过程之中，已经打破了原有的条条框框，把水彩颜料也用在了现当代中国画的颜色使用之列，有一些水粉颜料同时也掺在颜料里面一起使用。中国现当代的写意画的用色里分为了色墨、调合色以及其原色。

中国现当代写意画，十分重视画面的主要色调的把握，所以也更加速了对调合色研究和使用。例如西方的绘画，尤其水彩、粉画的色彩表现方法，东西方现当代工艺美术色彩色调的处理，漆画、以及对大自然全新的视觉语言的追求等，全部深度的决定着现当代写意中国画的色彩调合使用。我国古代的传统中国画里，色彩的使用不会改变其固有色，然而在现当代的中国画里面，可以按照作者自己的色彩感受倾向和画面具体要求表达颜色，有的根据画面气氛依需求改变本来色相。此类方式方法哪怕超出了固有色的色相的表达，却仍然以表达物象为依据，充分尊重了对象的整体大印象，不然就丧失殆尽了生活的本来面目，而且在设色上变得概念化、类型化、形式主义化。比如在《新庭院》系列作品的创作之中，笔者对于色彩色调的搭配以及把握控制，既符合整体参照物的基本原生色调，又符合色彩心理学与现当代写意中国画的个性化色彩与当前在设计师的色彩创设与搭配运用中的治愈系色彩搭配与表达，并致力于在此打造一个在《新庭院》系列作品的创作之中充满治愈感的心理氛围。治愈系，是年后半期在日本开始出现的词语。原意指电视上演出的女性艺人中能让人感到平静，治愈，舒畅的人。在年之前没有“治愈系”这个词，GEORGIA的广告中有“舒适系”这一称呼。治愈系原文是healing系，它是90年代末日本开始流行的一种音乐门类，说它是音乐门类也不恰当，因为没有一个共通的一致的音乐特性。通常就直接把节奏舒缓，放松心情的事物都归于到这一类里去。

笔者致力于通过舒缓安神清亮的治愈系色彩的表达和表现，从而达到一种以安静的色彩氛围，治愈与治疗在大都市快节奏之中人们遭遇到的种种心灵伤害，在《新庭院》系列作品的创作之中创造出一个安稳、宁静、柔和、明朗清丽的画面，使人置身于一个安然、闲适的心理氛围之中，全然忘却一切在都市之中蒙受的烦恼，以清爽愉悦的心理色调，轻轻地抚去心灵的尘埃。

《新庭院》系列作品的创作感悟

一、落实于画面的闲适生活追求

新当代中式庭院强调的是道家师法自然的人与自然间和谐的生态理念，把新当代中式庭院里的自然万象有机地融合一体。笔者以自然风光为主体物，重视构图的精巧以及山水诗化意境的创造，用一种欲扬先抑的造景模式，丰富新当代中式庭院里面的内部层次景观，着意追求一种崇尚天然自然的大写意气氛。在庭院中执盏品茗、宴饮对弈、栽竹植桂、养鱼饲鸟，于一个浑然天成的私家天地里远离城市的喧嚣，给自己的心境留下一片清净的自得其乐之地。疲惫之时可以芭蕉听雨，逗弄锦鲤，享受一种难得的闲情雅趣；清闲片刻可以静守自然，感悟生命的本真含义，和三五个好友谈天说地。绘画的创作内容和人们的生活常常是息息相关的，比如说画家吴冠中先生创作的的油画作品《江南古镇》，就描绘了江南水乡里常见的尖角房屋；而画家的作品里面富含着生动的生活气息，能够深刻的感染与打动每一位赏画的人。所以说写生是创作灵感的主要来源，创作与写生之间的关系是密不可分、相辅相成的。如笔者对中国画《新庭院》系列作品的创作活动，正是出于对生活的体会，以及发自内心的对中国传统文化与新庭院设计风格的喜爱，以及对现代新中式庭院人居生活的亲身体验经历与江南水乡新庭院环境的浸润与熏陶。任何的一种艺术创作活动都离不开生活，艺术源于生活，必须在生活感悟中体会艺术创作的意义。

二、写生与创作的紧密关系

写生是艺术家下去体验生活的一种重要方式，美术与艺术之间的关系颇为密切，一般说来，可以在写生的过程之中完成美术创作的具体实践。写生还可以培养画家的艺术修养，提高审美能力，为艺术创作起到一个更好的铺垫作用，写生是提升创作水平的一种重要途径。因为室外写生的心理体会于室内是不容易获得的，而外出写生带有艺术家个人内心十分真挚的情感。“绘画不是追求自然，而是与自然平行地存在着”。画家在外出写生的过程中能够充分的感受自然、体会自然。在《新庭院》系列作品的创作过程之中，笔者对于创作中国新庭院系列作品过程的准备活动都是通过户外写生采风取景去实践的。在室外写生活动，可以使画家获得新的心灵感受和审美体会，并使得艺术家的身心得到缓解，并且以一种全新的心态去贴近自然和对庭院深深的中式传统生活的道家核心天人合一思想的感悟。

每一位大师都要有属于自己独特的的绘画修养和绘画语言，而每一幅优秀的艺术作品不仅仅要富有着深刻的内涵，更多要体现的还是画家自身的艺术修养。在《新庭院》系列作品中的创作灵感，来源于作者与城市现代仿古庭院所产生的情感共鸣以及古诗词。且在《新庭院》系列作品的创作过程之中，笔者透过以亲切、平实的构图基调，促成观赏者与图景的融合，创造了一个宽容、平和、恬静的母性环境，消除了观赏者的心理距离。而《新庭院》系列作品中对于“线”的应用、墨色层次的处理、治愈系色彩的表达等创作技巧，更加足以落实到画面的闲适生活追求和写生与创作的紧密关系。于是笔者在《新庭院》系列作品创作投入的这样一种过程之中逻辑性极强；在一系列充分的前期、中期、后期准备工作磨合创作过程之中，一步步地寻找到了适合适宜自己表达的绘画语言，以及绘画抒写内容与专有专属性的独特形式感，并且能够以此体现自身内心的丰富情感及其对中华传统文化艺术的理念和追求。

赵文琪写于国家图书馆年12月

5月《静》“纯策青春”艺术展美庐美术馆

9月举办“初见——赵文琪个人作品展”

《潮》北京宋庄中国当代优秀作品展

3月《愿》展于湖南大学建筑学院优秀奖

6月《明月问归期》岳阳博物馆

7月《出于蓝》第十二届全国美展长沙展区

长沙市博物馆

12月《恋莲》赴韩国参加哈尔滨师范大学中韩艺术交流

3月《双生》“一花一世界――女画家作品展”易图镜美术馆

4月《行迹系列1~6》后湖艺术区

5月《前世》展于星辰国际艺术中心

6月书法两件入选第十一届全国国展创作展弘山书画院

11月中国画《春风拂槛》《漫步闲庭》岳阳会展中心

12月中国画《茶香满巷》全国新锐当代艺术展（苏州）作品被收藏

2月书法作品《好山佳景》编入“师说”湖南美术出版社湖南省首届中小学教师作品展美仑美术馆

6月“问道杏坛”第一期结业展北京杏坛美术馆

8月“塞外放歌”北京杏坛美术馆第一期学员展内蒙古茶家十职

11月《香格里拉》系列五幅提名湖南省首届青年水彩画家八人提名奖湖南工程学院

12月《门径待扫》湖南省花鸟画名家作品邀请展

3月《历史无言》第六届湖南省女水彩画家展

4月洛阳龙门仰止书法展龙门博物馆

5月中国乌克兰美术交流展红场美术馆

6月纪念香港回归二十周年展哈尔滨市委美术馆